EXPRESIONES DE OTREDAD EN LAS ARTES PLÁSTICAS Y EN LA MÚSI

BITÁCORA DE VIAJE

EXPRESIONES DE OTREDAD EN LAS ARTES PLÁSTICAS Y EN LA MÚSICA MÁS REPRESENTATIVA DE LOS PAÍSES AMÉRICA LATINA Y ESTADOS UNIDOS DE AMÉRICA.

Inicio mi itinerario una soleada mañana de Enero en compañía de un amigo, mochilero conocedor de los más  recónditos destinos del mundo, llevamos un plan tentativo  que nos proponemos cumplir, la visita a varios países de América, principiando por el nuestro,  Colombia. Para el  viaje compartimos los mismos intereses, la visita de  algunas regiones de las que deseamos conocer especialmente la muestra de su plástica, pintura y escultura de artistas consagrados y de nuevos valores; así mismo, sus bellas artes como el patrimonio  artístico-literario, expresiones musicales, danza, autores, historia; sin olvidar lo que consideramos, apreciables expresiones culturales folclóricas entre ellas artesanías y gastronomías autóctonas.

¿Qué vamos a recoger de cada lugar de Colombia, de Cuba, Ecuador, Perú, Cuba, México, Estados Unidos, hasta regresar al punto de partida? Caminando, rodando y volando, lo veremos.

Abordamos el autobús en la ciudad de Barranquilla, en  el Caribe colombiano, con destino a la región bullerenguera al Sur del departamento del Atlántico, pero, nos hemos detenido a mitad del camino, no hay paso hasta allí, las inundaciones ocasionadas por el rompimiento de la presa del Canal del Dique no nos lo permiten; mas, hemos logrado escuchar a Lola y Agapita, cantadoras de bullerengue quienes han sido hospedadas en casas de amigos de Sabanagrande , ellas valerosas, no se han dejado doblegar por el infortunio que les ha arrebatado sus viviendas y destruido sus recuerdos, sino que más bien, fincan su  esperanza en un mejor mañana, sentimiento que les infunde fortaleza y bríos para entonar sus cantos y bailar su bullerengue.

Pero, ¿en qué otros lugares podemos escuchar el bullerengue? Uff! Por todo el Caribe colombiano, en las tierras aledañas a la bahía de Cartagena, en San Basilio de Palenque, Montes de María, en algunas poblaciones de Córdoba como San José,  Puerto Escondido; yendo hacia el sur, en Turbo, Necoclí, Chigorodó en el departamento de Antioquia y en el Darién panameño,  hoy algunas cantadoras lo han difundido nacional e internacionalmente, en Buenos Aires, Argentina, Santiago de Chile, Chile, España, Dinamarca, Marruecos, así una de las auténticas bullerengueras es  Petrona Martínez de ancestros bullerengueros, digna representante de este baile cantado. Estos cantos adoptan los ritmos de cada región; históricamente son producto de la herencia cultural africana -como es su baile sensual- traída por jóvenes africanos tomados como esclavos en sus tierras y desembarcados en Cartagena de Indias, aunados a elementos musicales indígenas como las maracas, los pitos y gaitas. El bullerengue es un baile cantado donde la música involucra la armonización del cuerpo con el ritmo de los instrumentos en especial el que ejecuta el mítico tamborero  y  la danza de seguimiento perspicaz del hombre hacia la coqueta mujer.

¡ Escuchad a Petrona!

Clic aquí:  http://www.youtube.com/watch?v=xDBtiL0lPlo 

Bisnieta de Carmen Silva, nieta de Orfelina Martínez, notables cantadoras de bullerengue, y abuela de cantadoras.

"Cuando canto

es toda la familia

la que canta conmigo:

es mi abuela Orfelina,

esa dulce mujer,

esa comadrona rezandera

que cantaba bullerengues

Nací con la tradición

de mi abuela, mi bisabuela

y mi tatarabuela"

                                       Petrona Martínez

 Su banda consta de coros, palmas, de tambor alegre, tambora, maracas gaita y llamador.

  Las penas alegres

Guiados por un vecino de la región, terciamos por lo que fuera un camino de herradura para empalmar con la carretera que nos lleva a Cartagena.  Allí  adquirimos para la mochila "Cantadoras afro-colombianas de bullerengue"  en recuerdo de lo que fuera una otredad▪

Alcanzamos un transporte rumbo a Medellín, fijándonos como meta principal la observancia de las artes plásticas. Admiramos las antiguas esculturas de Pedro Nel Gómez; las nuevas potencialidades artísticas, pero, recordando al hijo amado de Medellín, Fernando Botero, nos dispusimos a escrutar su obra "voluminosa".

Fernando Botero es uno de los pintores colombianos más importantes del mundo, un talentoso creador hispanoamericano. Sus trabajos son una auténtica expresión personal de su manera de percibir la realidad. Desde sus inicios su obra no permitió encasillamiento en las diferentes posturas figurativas internacionales.

La deformación en sus pinturas nos lleva a pensar en una forma de revelación de su espíritu creador en el cuadro u objeto artístico creado. Sus figuras voluminosas dan fe de un estilo propio y por esa característica cada una de sus creaciones son reconocibles como  un Botero. 

Nos dirigimos al  Museo de Antioquia, un edificio de estilo art decó que ocupa una manzana, situado entre las carreras Carabobo y Cundinamarca y la avenida De Greiff y la calle Calibío, en el centro de la ciudad, a mirar la plástica paisa antioqueña. Nos encontramos con el mural de Pedro Nel Gómez.  Cuenta el museo con pinturas, dibujos, esculturas del maestro Botero, otras que muestran la historia del arte de Antioquia, colecciones de artistas nacionales, internacionales, colecciones de arte contemporáneo de artistas colombianos; arte precolombino...

Para la mochila a más de fotografías solo pudimos adquirir litografías de las grandes obras de arte que más tarde usaremos para realizar un sonoviso.▪

 Descendimos hacia el suroccidente del país con destino al departamento de Nariño atravesamos su variada topografía hasta Ipiales en la frontera con el Ecuador, donde se observa un comercio permanente entre comunidades negras del bajo pacífico e indígenas colombianos y ecuatorianos. Pasamos el puente internacional de Rumichaca enrumbando hacia Ecuador, íbamos en busca de la producción artística de  los notables exponentes de la pintura del país Manuel Rendón, José Abraham Moscoso -1896-1936- de expresividad combativa, su obra encarna la denuncia social;  pero quisimos escrutar la trascendente obra del "Miguel Ángel de la raza vencida"¹ ese ser humano de cercanos ancestros indígenas, el pintor Oswaldo Guayasamín, de quien admiramos en el Museo Guayasamín de Quito una voluminosa serie de pinturas denominada "La edad de la ira" que  muestra facetas de la tragedia humana; pero ¿qué decir de su autorretrato? -Fig. de arriba- Extraordinaria creación en blanco y negro con ligeros toques de color que refleja el dolor humano, dolor del mundo, sufrido por el autor, y más aún "Lágrimas de sangre" donde plasmó el dolor como impacto, es una obra conmovedora, queríamos desentrañar su significado con nuestra óptica▪ 

Nos disponemos a visitar Perú. Carreteamos y desde El Cusco, en las alturas de los Andes peruanos con sus precipicios de vértigo descendimos hacia el Valle Sagrado, desde allí seguimos el curso del río Urubamba por vía férrea a palpar lugares donde dormitan ruinas testimoniales de la grandeza de la cultura incaica, miramos con detenimiento a Machu Picchu ciudad sagrada de los Incas, cuya silente magnificencia nos hizo presa de su enigma, sin podernos explicar ese sentimiento místico que nos embarga; y absorta la mirada  en sus bloques de piedra sin pegamentos que pesan toneladas dispuestos en forma armoniosa. Regresamos a Cusco, ciudad que en tiempos previos a la conquista española fuera fulgurante ciudad palaciega enchapada en oro, hoy vetusta, se resiste al paso del tiempo como testigo mudo de una sangrienta historia; pero Cusco no ha muerto, Cusco ha trascendido su pasado acontecer violento, aún se conservan plazas, calles, edificios de épocas precolombinas y coloniales; el barrio San Blas de marcado estilo colonial calles empinadas, estrechas de grandes casas blancas sitio de artesanos; su convento De La Merced de estilo renacentista, su catedral tiene anexa a la antigua Iglesia del Triunfo construida en1539  sobre cimiento del palacio Viracocha Inca; Cusco es una ciudad que respira cultura. Su suelo es pisado por gente  de todos los países del mundo y de todos los niveles culturales a quienes atrae su pasado histórico y sus descubrimientos que guardan enigmas arqueológicos, allí se encierran historias inconcebibles, allí se escuchan retretas en su Plaza de armas; ha sido iluminada y animada por las juventudes de los más diversos rincones de la tierra  que se  dan cita en este lugar desde el atardecer hasta los amaneceres embriagados con míticas remembranzas sobre los Hijos del Sol. En las afueras de la ciudad nos detuvimos a contemplar los cielos por si acaso veíamos pasar algún cóndor de los Andes; más solo fue una ilusión, el "rey de los Andes" poco planea, tiempos ha, por estos aires; mas, lo que sí pasó por nuestra memoria fue una linda canción tradicional del folclor latinoamericano que alude al amor ido comparado con un cóndor, parece la horma de este paisaje algo melancólico y solitario: El cóndor pasa. ¿Quieres escucharla? ¡Has clic en los enlaces!

http://www.youtube.com/watch?v=-3koLyR6geg El cóndo Claudia de Colombia

http://www.youtube.com/watch?v=3e5DVNb6bCA instrumental flauta

 No podíamos dejar de visitar la feria dominical de Chinchero donde piezas tejidas, elaboradas en lana de alpaca, teñidas con tintas vegetales por campesinas quechuas lucen cual obras de arte. Para la mochila adquirimos un poncho y un chal -lliclla-. Y de la  platería trabajada artísticamente nos llamó la atención también para la mochila, un tupo, que es un alfiler ornamental trabajado por plateros cusqueños con técnicas de origen prehispánico, en cobre adornado en la cabeza con motivos vegetales y animales. Los tupos tienen su historia,  princesas incas, reinas coyas del Cusco se aderezaban con ricos tupos al pecho y luego las damas españolas adoptaron por costumbre lucirlos con sus finas prendas de vestir. Y que no se me olvidara adquirir una zampoña, instrumento musical andino. Cusco, tierra de eximios ceramistas amantes de las simbólicas cerámicas prehispánicas y preservadores de ese patrimonio artístico milenario. Aquí en la feria solo obtuvimos una pequeña chichera chulucana, decorativa.

En las pampas de San José, cerca a Nazca no dejó de asombrarnos la perfección de los geoglifos -trazos de las líneas sobre tierra- que contornean figuras de animales, de hombres, geométricas, trayendo a la memoria la idea que refuerzan estudios arqueológicos, de que aún no se ha determinado con certeza si fueron los Nazcas -hace aproximadamente 1500 años que habitaron este territorio del hoy Perú- autores de tales maravillas. Así nuestra mente comenzó a especular sobre sus autores y sus significados... Su aspecto es el de un desierto lunar, sus trazos extraños, principalmente las figuras geométricas, estos dibujos son un legado artístico o funcional, un enigma hasta el momento, indescifrado, del pasado.

 Íbamos a volar desde Cuzco hacia La Habana, mas, queríamos ir a "La flor de la canela" Lima.

Ya en el centro de la ciudad, después de haber recorrido sus bellas calles y reparado en su arquitectura colonial, sus templos; decidimos dirigirnos hacia el aeropuerto internacional Jorge Chávez, abordando la Cubana de Aviación hacia nuestro nuevo destino, Cuba▪

Aunque esta tierra, Cuba se destaque en diferentes campos del saber, cultural, bellas artes, literatura y medicina, la estamos asociando con su pasado musical que regaló al mundo ritmos sabrosos que pusieron a bailar generaciones de buena parte del mundo.

¡Jazz latino,  mambo, salsa! 

Dámaso Pérez Prado

 En cuanto a géneros musicales nos referimos, es el jazz latino con su espíritu de libertad interpretativa y relevancia de elementos poli-rítmicos un legado cultural invaluable de un sincretismo musical. Su discurso musical va  acompañado de solos musicales y descargas emotivas en combinación con  ritmos africanos y caribeños con distinguible ausencia de voz, con el acompañamiento de  instrumentos como la conga, el timbal, el güiro y las claves. Su trayectoria comienza en New Orleans con el jazz sigue a la cosmopolita New York, epicentro del mundo del arte en la época, cuando París después del conflicto mundial fue quedando rezagada; y pasa a La Habana donde se agregan ritmos caribeños.

 Como vemos los ritmos latinos son sincréticos, involucran ritmos africanos, armonía europea, composición de canciones de forma españolas, dando como resultado la música tropical latina. El jazz latino tuvo notables compositores e intérpretes. En la actualidad el jazz latino se ha proyectado alrededor del mundo, este género musical es interpretado con mucho respeto pero abierto a arreglos que hacen aportes al acervo musical caribeño, construido por músicos de talante.

 Omara Portuondo, "La novia del feeling" ha sido durante más de medio siglo, una estrella musical de Cuba. Al comienzo cultivó el filin que es una mezcla de jazz y bossa nova -ritmo brasilero-. Su trayectoria artística es portentosa, bailarina y cantante. Actuó por muchos años en el selecto cabaré Tropicana de La Habana, debutó en muchos países de Europa y ha cosechado importantes distinciones, entre ellos un Grammy  Latino. Si termináramos nuestro periplo antes del Carnaval de las Artes de Barranquilla, iríamos a oír de su viva voz, relatos sobre  experiencias de su vida artística. Allí es una invitada muy especial.

Cuba fue también la cuna de "La guarachera de Cuba" Celia Cruz. Cuando la mencionamos la asociamos con La Sonora Matancera, esa orquesta sin igual; y sus grandes éxitos. Más adelante nos referiremos a este personaje de talla internacional. ¡Azúcar!

Dámaso Pérez Prado es sinónimo de Mambo. Aunque no fue el creador del ritmo pues, el mambo sonaba con anterioridad en La Habana a fines de los años treinta, sí fue quien le imprimió fuerza difundiéndolo a nivel nacional e internacional. A su nivel artístico estaban Beny Moré y Cachao, cultores del son montuno, mambo, bolero y jazz latino.

¡Qué rico el mambo!  No te lo pierdas, son bellos recuerdos del pasado que gozaron otras generaciones. Haz clic en los enlaces. http://www.youtube.com/watch?v=KLfvO9xu8fs&feature=related.

El ruletero http://www.youtube.com/watch?v=QWu1qTgQs5M&feature=related

El mambo tuvo sus orígenes en el danzón cubano abriéndole camino al chachachá  y a finales del setenta, a la salsa. La salsa fue fiebre en Cuba.

En la mochila recopilé muestras de artistas que trabajan retratando a su Cuba o plasmando en cuadros alegóricos algunas rebeldías espirituales y sociales.

Partimos una mañana soleada desde el "José Martí" rumbo a la ciudad de México▪

¡Qué megatrópoli la Ciudad de México! Bueno los guías turísticos nos facilitaron guías de la ciudad y por internet  google earth íbamos orientándonos. Llegamos interesados en auscultar los albores de los movimientos de renovación en la plástica latinoamericana. Nos encaminamos estrictamente por la ruta de los antiguos murales, quisimos leer en ellos las denuncias de viejas disconformidades plasmadas por los connotados muralistas, Diego de Rivera, José Orozco, David Alfaro

Fig. Mural de Rivera que muestra la vida de los aztecas en el mercado de Tlatelolco. Palacio Nacional de Ciudad de México. 

 Siqueiros - los tres de disímiles personalidades- y sus colosales obras plasmadas en edificios públicos; de contenido indigenista unos y cantos a la revolución mexicana otros, que inducen a un reconocimiento de consciencia nacional de cepa americana. En la Secretaría de Educación está el mural fue pintado por Diego Rivera en el cual plasmó su ideal de unidad revolucionaria. Y de José Orozco, en la escalera del Palacio de gobierno de Guadalajara, vimos "El hidalgo empuñando la antorcha de la libertad". "El maguey", en el Palacio Nacional de México, de Diego Rivera. La pintura de Alfaro Siqueiros es de fuerte contenido social, muy crítico y explícito en contenidos. Rehuyendo a cánones ortodoxos realizó el "Polyforum". Una de sus más representativas creaciones es "Nuestra imagen actual".

En la mochila llevamos las fotografías de estas extraordinarias obras de arte.

Pero, no podemos sustraernos de explorar las expresiones culturales  estéticas modernas. Así apreciamos en la obra de Gustavo Villegas Solís, la vida agitada de la ciudad en su pintura "Rey León" (R_Arte).

A más de estas portentosas obras sobre murales, vamos a explorar la riqueza musical mexicana, a escuchar corridos y rancheras  gloria musical del ayer mexicano, pero que perviven en los recuerdos. Aún allá en Barranquilla, existen mariachis que amenizan fiestas y ceremonias con esta imperecedera y vibrante música.

 Lo que conocemos como corrido es una forma literario-musical popular, mestiza mexicana, con raíces del Romance del siglo XVIII, una  entre la variedad de formas musicales populares venidas de Europa. Luego de la revolución mexicana adquirió tonos épicos que honraban la memoria de Zapata y sucesivamente corridos folclóricos en los que se resaltaba el machismo en todas sus modalidades, el hombre valiente, avieso con las armas, tomador, mujeriego... Una muestra de esta música épica es la  que fuera el  famoso corrido Juan Charrasqueado. http://www.youtube.com/watch?v=7T3ph0UbcI8. Canta Tony Aguilar.

Se cree que Juan Charrasqueado se basa en la vida de un personaje real, un revolucionario; mas, en aquella época era dado en llamar "Juanes" a los soldados revolucionarios; y charrasqueado indicaba que estaba marcado por cicatrices de charrasca -cuchillo pequeño, machete- Los corridos eran como un medio informativo entre regiones lejanas, en el sentido de que  contaban sucesos, magnificaban hechos de la guerra. Juan Charrasqueado era un personaje así, el corrido narra su acechanza y muerte a bala. La ranchera es un género musical de extracción popular mexicana. Se convirtió en ícono de expresión popular y símbolo del país, difundiéndose en forma exitosa en los sectores sociales medios y populares de los países latinoamericanos, especialmente a través de las películas mexicanas de los años 40, 50, y 60.  El mariachi utiliza para interpretarla guitarrón mexicano, guitarra de golpe, guitarra, vihuela y violín,  potentes voces y hondura emotiva del alma.

Los textos de las canciones aludían en un comienzo a historias populares revolucionarias, a sus héroes, al campo y costumbres, a las cantinas y amores desdichados. Luego brindis por amores, cantos a la belleza de la mujer, pero por lo general bullen las desventuras o penas en el amor. Sus intérpretes cantan con un estilo enérgico y emotivo.

Para que escuches rancheras que estuvieron en su furor en aquellas épocas, pincha en los enlaces a continuación:

Entre los años 30 y 60

Canta: Jorge Negrete "Ay Jalisco no te rajes".

http://www.youtube.com/watch?v=GqMOE5AIzGg

http://www.youtube.com/watch?v=lRmov1Wnoxo&feature=related  Negrete "México lindo y querido"

http://www.youtube.com/watch?v=-z0iHQvHSeA&feature=related Agustín Lara "Mará Bonita"

http://www.youtube.com/watch?v=5LAkBYktMKc  Tony Aguilar "La cama de Piedra"

Entre los años 70 al 90 Vicente Fernández y su hijo Alejandro y la española Rocío Durcal fueron destacados intérpretes de esta música.

http://www.youtube.com/watch?v=0peANtDLVdI Volver, canta Vicente Fernández

http://www.youtube.com/watch?v=JOAhWxZz5hs  Rancheras R. Durcal.

  Acordamos, luego de visitar la ciudad de Chichen Itzá y otros lugares de interés cultural, hacer un tour gastronómico para degustar enchiladas de mole y cochinita pibil, platos típicos de la cocina mexicana, recientemente designada por la UNESCO patrimonio cultural inmaterial de la humanidad.

Es tanto lo que podríamos ver en México que necesitaríamos un tiempo más amplio para complacer estas inquietudes. Pero fuimos a algunas ferias; como en todo lugar, las artesanías mantienen el estilo de cada región, algunas nos llamaron la atención, como la artesanía huichole que por su sello distintivo en las tablas  de estambre -nierikas- son conocidas mundialmente debido a sus esotéricos diseños psicodélicos inspirados en visiones captadas por el artista cuando se halla bajo los efectos del peyote y plasmadas con representaciones simbólicas, que el autor explica en breve nota luego de estampar su firma en el reverso de la tabla; en la ciudad de Oaxaca, los objetos trabajados en barro negro con un bruñido que les imprime apariencia de fino metal, se exhiben como prueba fehaciente de que la alfarería también es arte. Las artesanías mexicanas son símbolos de de tradiciones que reflejan costumbres de las culturas de los pueblos aborígenes mesoamericanos, mayas y aztecas.

Como recuerdos de este viaje a más del material fotográfico de las grandes obras plásticas y pequeños detalles de  la bella y valiosa  artesanía mexicana, no pudimos comprar más nada debido a nuestro estricto y reducido presupuesto que solo nos permitirá concluir nuestro viaje si somos sensatos.

¡Pero sí nos regalaron un tequila! ▪ 

Ilustración 2 Guitarrones mexicanos

Continuando nuestro itinerario dejamos México y nos dirigimos a Estados Unidos para visitar Nueva Orleans, la cuna del jazz. Un guía nos refresca la historia de estemelancólico ritmo musical, nos recuerda que su raíz primigenia se sitúa en África; como tenemos conocimiento, millares de personas de diversas etnias del

continente africano, desde 1518 fueron víctimas del tráfico de personas, a quienes en América desembarcaban como esclavos ofreciéndolos al mejor postor en los mercados de compra-venta en  Cartagena, Santo Domingo, Habana,  Nueva Orleans.

Con el transcurrir del tiempo en 1830 New Orleans tuvo un alto aporte a la conformación de la cultura musical del jazz debido a su privilegiada posición entre el delta del Mississipi y el mar, lo que la favorecía como ciudad portuaria y por ende  altamente comercial, adquiriendo la prosperidad y actividad de una ciudad  cosmopolita con gente de México y de toda la cuenca del Caribe, negros libres y esclavos, españoles, franceses, italianos. En 1880 cuando nacía el jazz  y el ragtime en Louisiana, en Cuba nacía el danzón que rápidamente se extendió por el Caribe y llegó a Louisiana.

Louis Amstrong fig 3- nace en Nueva Orleans en 1901 y muere en Nueva York en 1971. Fue una figura emblemática de la historia del jazz, de personalidad carismática, transformó al jazz bailable en un arte. Su fama fue como trompetista, más adelante se consagraría como vocalista de reconocimiento internacional.

El antecesor del jazz fue el blues de las comunidades afroamericanas campesinas que trataba sobre las penas de la esclavitud; algunos eran de carácter religioso.

El jazz se relacionaba con cuitas de amor y con la guerra, de música triste, ya era música citadina y requería capacidad de improvisación; adoptó también elementos europeos, los instrumentos para el jazz eran el trombón, trompeta, batería, guitarra, contrabajo, piano, flauta, clarinete, saxofón, bajo y vibráfonos. En la alborada del siglo XX y ya entrados loa años 20, Nueva York se constituye en la ciudad del jazz, desplazando a Nueva Orleans. Nueva York como ciudad cosmopolita promueve el cambio de escenario, por su sólida economía que generó diversas y numerosas de fuentes de trabajo, los músicos talentosos recibían buena acogida en el gran público receptivo a sus creaciones, mejora su estatus económico. Las bandas eran competitivas, los intérpretes solistas y la calidad de su música debían satisfacer las aspiraciones de un público  exigente.

 En 1914 W.C. Handy compuso el célebre Saint Louis Blues adoptando el ritmo de La Habanera de moda.

Y ¿el jazz latino? "El jazz latino es una rama del jazz que se nutre de los ritmos africanos y caribeños. Se originó a finales de los años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música afrocubana".² En comparación con el jazz americano, vemos que "el jazz latino emplea un ritmo fijo usando a la vez una forma de clave. La conga, el timbal y las claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido latino"³▪

En nuestro recorrido teníamos programada la visita en Nueva York al vecindario de Harlem, corazón de la cultura afroamericana, con un rico pasado cultural sobre el cual tenemos referencias de su pasado artístico. Harlem es un barrio de Manhattan New York,  que se extiende desde la calle 96 Sur, la Quinta Avenida, el río Hudson al Oeste  hasta  la calle 155 o 160 al Norte junto al río Harlem.

Grupos de las comunidades negras de este sector, trataban de reivindicar sus ancestros africanos, sus valores culturales y como un Renacimiento forman grupos con instrumentos como contrabajo, batería, saxofón, trompeta y piano creando un estilo impetuoso, el Be-bop; nos encaminamos por la calle 125th, de gran actividad; caminando conocimos el teatro Apolo donde se brindan conciertos de importancia. Subimos otras cuadras a la Galería Schomburg calle  135th a la que asociamos al fenecido pintor Jacob Lawrence quien en su juventud pintó una serie de episodios sobre la historia de los negros; pequeñas pinturas dramáticas de la independencia de Haití, siempre fue un luchador por la libertad, pintó héroes negros y luchadores contra la esclavitud; Lawrence también pintó negros común y corrientes, seres humanos dignos. Su talento creaba escenas de  movimiento de energía que compartía con el público.

Con colores llamativos pintó "la calle Rampart. La temática de "El Apartamento" vemos una señora en su apartamento adornado de ricos colores, y que a pesar de su pobreza hace de su vivienda un refugio grato. Lawrence se radicó en Harlem en 1930. Estuvimos en el Studio Museum of Harlem donde se exhibe arte afroamericano contemporáneo. Caminamos por las calles donde están ubicadas las casas de piedras rojizas, iglesias, clubes de jazz. Y para conocer su gastronomía "Sould Food" donde saboreamos la típica picante comida afroamericana, luego escuchamos jazz en "Lenox Lounge" un club del vecindario.

Entre las reminiscencias que inspira Harlem no olvidamos que fue la cuna del talentoso músico Tito Puentes, quien  alternaba el timbal y el vibráfono, la música tradicional y el jazz. "Oye como va" ícono del rock latino, http://www.youtube.com/watch?v=ZFpCALtVUcE  Tito Puentes.

Recordamos también a Celia Cruz que vivió en Nueva York; había nacido en La Habana. En 1950 integró el elenco del cabaret Tropicana, de donde pasó a la Sonora Matancera. Hizo una brillante carrera musical con innumerables éxitos, actuó con las orquestas de Tito Puente y Willie Colón y otras, amante furibunda de la salsa Fue distinguida con un Grammy en el año 2000. Dotada de una potente voz y una personalidad escénica enérgica que le caracterizaba, mantuvo hasta último momento una gran vitalidad en el escenario  y cuya expresión ¡azúcar! era el grito generalmente de apertura y cierre de sus conciertos.

 En su propia voz refirió una anécdota graciosa sobre el origen de la expresión azúcar: estando en Nueva York pidió un café y no le trajeron azúcar, insistió pero parece ser que demoraban en traérsela y tenía prisa, entonces en voz alta gritó: ¡azúcar! Y en seguida le llegó. Todos se rieron, ella, se dio cuenta de que era un grito mágico adoptándolo para energizar o hechizar al público...Reía al acordarse.

http://www.youtube.com/watch?v=CNA2pCbnbXI

http://www.youtube.com/watch?v=yFPzVMnryCY Burundanga Celia Cruz

Luego de recorrer  camino en autobuses y trenes bajamos a Miami, allí encontramos la exposición de la obra del maestro Botero, retrospectiva desde los años 50 hasta nuestros días, lienzos y bronces de variada temática; más, no nos cansamos de elucubrar sobre otros posibles significados de la deformación de las personas y objetos de su obra, alguna parte ya la habíamos apreciado en Medellín. A propósito, como habíamos estado en México recordando rancheras, nos enteramos en el periódico del 15 de Febrero  que falleció a la edad de 99 años en Ciudad de México, el compositor Manuel Esperón autor del tema "Ay Jalisco no te rajes" representativo de la música ranchera mexicana, este compositor había sido descubridor de Pedro Infante y de otras prominentes figuras del mundo del canto y la pantalla mexicanas.

Hoy concluimos nuestro periplo de viajes con fines culturales, arribamos a nuestra cálida Barranquilla, ya se respira un aire de pre-carnaval con su música y su alegría. El carnaval de Barranquilla es una fiesta  arraigada en el alma del pueblo, con una tradición centenaria, un gran acontecimiento cultural del Caribe colombiano, es baile, danza, música, cumbiamba, colorido, sol, carrozas, reinas, disfraces; es el acontecimiento más representativo de la ciudad de barranquilla.

Ilustración 4 Danza del Congo. Carnaval de Barranquilla

 http://www.youtube.com/watch?v=G_xN2Jz3pEM Te olvidé -casi un himno del carnaval. Si deseas escucharla haz clic en el enlace.

La anterior es una recreación sobre las que fueran otredades en artes plásticas y música  que desde comienzos del siglo XX se fueron  posicionando paulatinamente y  desde ese entonces han sido valoradas como aportes culturales al mundo y algunas otras siguen su proceso de evolución reivindicativa.

Ha habido un rescate del patrimonio cultural nativo americano que ha sobrevivido a la conquista española y se está estudiando a fondo; su desarrollo económico-político y social; su arte,  su mística, un descubrimiento de esa rica cultura generadora de una cosmovisión alternativa a la europea, es decir, diferente a la occidental, la nativa, la que fue degradada por la hegemonía española, pero que aún así resistió la furia del embate conquistador como una flor que se resguarda del viento, originándose luego un sincretismo cultural del que somos producto con prevalencia de la cultura hegemónica pero mezclada con fuertes raíces americanas, por ello somos la cultura mestiza hispanoamericana hoy reconocida en el mundo.

 BIBLIOGRAFÍA

Nota.- Este viaje plasmado en la BITÁCORA es ficticio.

BIBLIOGRAFÍA:

El Jazz Latino y su Trayectoria Histórica. Proyecto editorial de Fundación de Nueva Música. Editorial La Iguana Ciega. Barranquilla. Colombia.

Cantadoras afro-colombianas de bullerengue. Editorial La Iguana Ciega. 1era ed. Diciembre de 2008. Barranquilla. Colombia.

¹El gran arte, Pintura. Salvat Editores

² http://es.wikipedia.org/wiki/Jazz_latino

 ³ http://es.wikipedia.org/wiki/Jazz_latino

 http://wikipedia.org

http://www.artelatino.com/nuestro-arte/index.asp

http://www.youtube.com/watch?v=-3koLyR6geg El cóndor pasa, Claudia de Colombia

http://www.youtube.com/watch?v=3e5DVNb6bCA instrumental flauta

http://www.youtube.com/watch?v=KLfvO9xu8fs&feature=related. ¡Qué rico el mambo

El ruletero http://www.youtube.com/watch?v=QWu1qTgQs5M&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=CNA2pCbnbXI Celia Cruz

http://www.youtube.com/watch?v=yFPzVMnryCY  Burundanga de Celia Cruz

http://www.dailymotion.com/video/x1sswl_jazz-cubop-machito-afrocubans-eco-d_music

http://www.youtube.com/watch?v=G_xN2Jz3pEM Te olvidé

París, Mayo de 1915

REUNIÓN DE ARTISTAS Y ESCRITORES

RAVIGNAN: POETA Y PINTOR que añora el Romanticismo.

AMBOISE: MÚSICO Y POETA, con tendencia al Simbolismo.

ZULOAGA: POETA SIMBOLISTA Y PINTOR, de tendencia Cubista.

El café “espacio sin Tiempo” era el lugar de encuentro de la bohemia de París, cuyos intereses eran intelectuales, filosóficos, artísticos, poéticos y literarios. Allí se ventilaban, desengaños, esperanzas, idealismos de un pasado romántico, de las vocaciones impresionistas y simbolistas y de las nuevas tendencias en el ámbito literario, musical y en el pictórico, el Cubismo.

Estaban, el poeta y pintor de mentalidad romántica Ravignan; Amboise poeta y músico de tendencia simbolista y el poeta y pintor cubista Zuloaga, asiduos asistentes al café charlaban eufóricos sobre sus experiencias, vivencias e ideas visionarias, ya fueran artísticas o literarias, muy cerca de connotados pintores y literatos de la época. No muy distante de ellos, en aquellas tertulias se destacaba la figura de un tímido y observador artista que prefería dejar que otros contasen y definiesen sus obras, él guardaba reserva sobre su trabajo, solo escuchaba atento a las aportaciones de quienes con sentido crítico daban pasos hacia delante, en la maduración de sus proposiciones. ¿Quién sería ese artista?, ¿un pintor en sus primeros pasos o un poeta pensativo? ¿sería del mundo real o un personaje de alguna otra realidad?, nunca lo supieron.

Ravignan, ferviente romántico aún. Amante de la poesía que propalaba la exaltación del alma, la que concedía un sentido elevado a lo cotidiano y a lo finito lo elevaba a la grandiosidad infinita; intuía la concepción de unidad universal, del ser, la naturaleza y el cosmos. Con espíritu de antaño poeta romántico, gustaba de la poética fantástica e irreal de Novalis y se inclinaba por la noche como símbolo de la muerte, o paso al más allá como lo vislumbraba el nostálgico poeta autor de Los Himnos a la Noche; versos inspirados en el dolor que le produjo la pérdida de su amada Sophie, que se convierte en la mediadora entre la vida y la muerte. Aplicando la tesis- antítesis-síntesis hegeliana, la amada es la síntesis entre la luz y la sombra, entre la vida y la muerte, ella conduce a su amado por el túnel de la noche hacia la perpetuidad de la vida, Novalis asume este sufrimiento como purificación del alma. Este conjunto de poemas posee una simbología oculta; la luz, el día, significa el alma íntima de la vida en lo efímero de su trasegar por lo limitado. También se toma como la luz primigenia, el hogar sin tiempo de los dioses, la que inspira los primeros cantos del poeta. Los hijos de la luz llegan a la noche, la muerte o el paso a la eternidad. El Romanticismo batalló por inculcar en el espíritu una percepción animista y simbólica de la existencia. Novalis intuía lo que es la filosofía de la dialéctica universal, donde uno de los principios dice que todos los antagonismos son complementarios, de ahí que su poema asocia el día con la vida y la noche con la muerte o su paso a la eternidad. Ravignan, en Hölderin veía la fuerza espiritual concebida alrededor de la idea de libertad, como fue la aspiración de la revolución francesa y que más tarde condujo a una utopía. Y en Nerval su imaginería onírica; pero teniendo en cuenta que todos estos ideales románticos fueron respaldados por el lado intelectual, incursionaron en las ciencias naturales, la historia, la filosofía, se adelantaron a la psicología freudiana, auscultando en el inconsciente, el sueño, lo mágico, el aura espiritual, el presentimiento, la nostalgia; la religión, la literatura.

Zuloaga como artista integral y conocedor de la historia del arte, por ende de la pintura, comenta sobre los pintores del Romanticismo, resaltando que Delacroix, además de la pintura desarrolló también la obra literaria. A la par de sus ciclos pictóricos escribió a través de las páginas de su diario, sus cartas y gran número de artículos publicados en revistas. Como pintor encarnó lo más fecundo del Romanticismo con una tendencia sombría y trágica, sumergido en el pesimismo. Luego de haber experimentado con la pintura de los grandes maestros, Delacroix aprendió su potencia y audacia, despertándosele una pasión por la vida como un auténtico romántico. En algunas de sus obras plasma la atracción por los temas medievales como “Clorinda salva a Olindo y Sofronia de la hoguera”; de su interés por lo oriental “Mujeres de Argel”. Entre sus obras cumbres está “La muerte de Sardanápalo” y “la libertad guiando al pueblo” nos habla de la revolución de Julio de 1830 que dio al traste con la monarquía de los Borbones (Carlos X), reinstaurados después de la revolución y el bonapartismo y entronizó a Luis Felipe representante del liberalismo, con apoyo de la burguesía. Delacroix resalta en el cuadro la lucha callejera por el derrocamiento del rey Carlos X, del 27 al 29 de Julio y en ella tomaron parte todas las clases sociales.

Zuloaga, de ascendencia española, es un pintor vanguardista, que admira la pintura de Picasso y se divierte con las puntiagudas y consabidas respuestas que suelta de sopetón Picasso cuando lo interpelan con preguntas tendenciosas; y gusta con humor de contar las anécdotas que se escuchaban sobre algunos colegas y artistas afamados.

Amboise, poeta y pintor simbolista, interviene con su charla sobre Poe y Mallarmé, dos constructores de significado. Y seguidor de la plástica simbolista de Seurat y Signac cuya evolución influenció el origen del Cubismo. Y de Desbussy, músico impresionista-simbolista.

En el café las conversaciones sobre arte y literatura toman un cariz de exaltación, algunas veces los ánimos se caldean pero luego se moderan. Pasan largas horas de tertulia y se animan con ciertas drogas y otros excesos excusables en los artistas y escritores en ese tiempo en París.

Ravignan discernía apasionadamente sobre el romanticismo como revolución estética, como liberación de las artes de la supeditación a los antojos de la aristocracia. Resalta la individualidad, subjetividad y la expresión propia del sujeto cuyas manifestaciones se dieron en su más alto grado que en cualquier otra época.

Amboise agrega que el Romanticismo, supuso también una diferente manera de ser, de sentir y de pensar en el renovado contexto social, seno en el cual se albergaron tendencias socialistas hasta ideas sobre un comunismo utópico; se le dio libertad de expresión al artista. Dejando atrás ese tema, se refiere ahora al ámbito musical, a la rigidez clásica, de aire sereno, de forma y contenido racionalizado para dar paso a lo burgués de una libertad promisoria, que pronto se hace más restringida, idea que atiza el rechazo al sistema antiguo de valores.

Amboise deduce que por lo tanto el estatus social del músico va teniendo significativos cambios dentro de la organización social imperante. Se perfila un virtuosismo en la interpretación musical instrumental, el cual debía ejecutarse esgrimiendo en lo posible todas las cualidades interpretativas de un instrumento musical ya fuera el violín o el novedoso piano, el cual debía transmitir sentimientos y emociones en el concierto.. Resaltando que el virtuosismo de un intérprete instrumental frente a la orquesta en el concierto, muestra la tendencia claramente romántica de la individualidad en oposición al resto de la orquesta cuyo símil es la masa como símbolo de la universalidad de la Ilustración.

Zuloaga trae a colación al virtuoso violinista Niccoló Paganini (1782-1840) como leyenda viviente del virtuosismo técnico-interpretativo, el más famoso violinista de todos los tiempos, con sus veinticuatro famosos “Caprichos”. En forma anecdótica, agrega Zuloaga, que por su excentricismo acompañado de tal entrega a la interpretación musical, parecía estar poseso por algún espírtu diabólico.

Ravignan, ah, se dice que en un período llevó una vida algo disipada y en una de las partidas de juego, perdió su violín, pero un comerciante francés establecido en Livorno que había quedado impresionado con su maestría interpretativa le regaló un Guarneri Gesú, un excelente violín, que fue siempre su instrumento predilecto.

Ravignan. Volviendo atrás, sobre la poesía moderna, hay que decir que primero hay que hablar de modernidad, Heine vio a la modernidad como representativa de un movimiento artístico-cultural, como una filosofía del arte, es decir, una nueva estética, que expresa la concepción dialéctica de la Ilustración y el Romanticismo. Desde su génesis, la poesía moderna, se mostró como una oposición a la modernidad representada por la Ilustración, la razón crítica, el liberalismo, el positivismo. El Romanticismo fue una reacción cuya causa era la decepción de la Ilustración, era la experiencia que predisponía a los ánimos inquietos a una nueva realidad sociocultural. Heine afianza su crítica a la sociedad post-revolucionaria que se estaba gestando en Europa, comprendiendo que la inconformidad en el ambiente, se debía al exceso de valor que se le estaba otorgando al dinero, llegando al punto de ser venerado; a los egoísmos, a situaciones que fueron dando pie a la búsqueda de los valores del pasado pero, rechazando el escapismo, preservando dialécticamente la negación del presente, mostrando al Romanticismo como una solución poética, imaginaria, ideológica de las contradicciones de la modernidad.

Amboise se remite a la génesis del Romanticismo, refiriéndose a Rousseau y Goethe; con su búsqueda de libertad de pensamiento, de expresión y espíritu romántico Rousseau y Goethe encausaron la corriente que se iba abriendo paso hacia la novedad histórica. La poética alemana cuya corriente de exaltación llegaba a situaciones extremas, como los suicidios a la aparición de “Las Cuitas del Joven Werther, “Leiden des jungen Werther”, provocó en la juventud un cambio de indumentarias y actitudes, siendo prohibida la publicación, por las facultades de teología, quedando como preludio o profecía del Romanticismo.

Ravignan. El Romanticismo alemán fue medular, fue profundizándose en el ámbito filosófico, de donde extrae las cimientes de las nuevas tendencias. Como vemos, la filosofía idealista alemana parte de la antimetafísica de Kant, producto de la Ilustración, que fue evolucionando hasta Hegel, situado entre las corrientes del idealismo trascendental y el Romanticismo. Para Hegel lo esencial es lo espiritual, lo que existe en sí mismo. Existe dentro de nosotros un sentimiento de desunión, de desposesión de nosotros mismos, esta ruptura no debe seguirse, el espíritu quiere reencontrarse en sí mismo, en la realidad de la idea, para esto Hegel crea un camino de progreso, la dialéctica, tesis-antítesis-síntesis. Desde el punto de vista literario, la escuela de Viena decía que la filosofía kantiana o ilustrada y hegeliana o romántica, eran una forma de la literatura fantástica.

Vemos que la historia de la filosofía desestima el pensamiento de los filósofos de la naturaleza. Tildándolos de elucubradores. Mas, haciendo caso omiso a cualquier preferencia encontramos la fecunda corriente del pensamiento de Novalis y otros pensadores poetas unidos en la linde del lirismo, de la razón pura y de las actitudes religiosas, donde el acto poético del hombre es el reflejo de la acción divina, y cuando entra a su recóndito interior, encuentra que en el amor en el lenguaje, en la poesía, existen recuerdos indelebles grabados en el subconsciente que le pueden conducir a una semejanza con lo sagrado.

Amboise El poeta simbolista dice que el experimentalismo literario o experimento de cada movimiento, se prueba con cambiar la forma, el fondo; el creador original, o relativamente original independiente, se desprende del patrón imperante y se lanza en la búsqueda de nuevas formas y temas. El Simbolismo parte de un ánimo de rechazo contra la concepción materialista del siglo, del realismo y del naturalismo, es una oposición a las doctrinas racionalistas y positivistas, tanto en literatura como en artes plásticas. Conlleva a una estrecha relación con la poesía y la música. Al rechazar la falsa sensibilidad de la descripción objetiva, reviste a la idea de una forma sensible con valor musical, que no remite a ella misma sino a su recuerdo o evocación, oponiéndose a la rigidez parnasiana. Mallarmé es el simbolista por excelencia, también se reivindican Poe y Baudelaire.

Zuloaga, hace alusión al poema Herodías de Mallarmé, de un lenguaje depurado y casi una perfección de la forma y contenido histórico. Piensa que los poemas de Mallarmé surgen de sus analogías y permiten el descubrimiento de significados recíprocos. Su altura poética es fruto de la exigencia teórica; incomprendida en su momento, pasando a la posteridad como un legado a la poesía moderna.

Zuloaga siguiendo su comentario, dice que, aunque no esté explícito en el poema Herodías, éste se basa presumiblemente en la historia de Herodías, hija de Aristóbulo, casada con su tío Herodes Filipo, a quien abandonó para vivir con su cuñado Herodes Antipas; por intermedio de su hija Salomé consiguió de Herodes Antipas, la cabeza de Juan Bautista. Herodías de Mallarmé narra un diálogo entre la princesa Herodías y su nodriza. La voz de la princesa es un verdadero canto a la soberbia y a la vanidad humanas, la cual se patentiza en algunos versos, como:

Herodías

Detente

De mis inmaculados cabellos el torrente

Rubio… si la belleza no fuera la muerte…

Este verso tiene una connotación de un grado sumo de soberbia, proclamar la inmortalidad de sus inmaculados cabellos, es desvariar entre un sentimiento de inmortalidad de lo que es por esencia mortal.

Amboise asevera; en general el poema en algunos de sus versos contiene la clave de su significado; algunos de sus versos nos sugiere el estado de zozobra en que vive el alma vanidosa, su vanidad debe ser alimentada para que la inseguridad no la corroa, ¡nodriza!, ¿bella soy? En otro de sus versos parece expresar que ella no aspira al cielo ni a su cerúlea esperanza, sino a un lugar donde tenga cabida una faceta siniestra de la belleza. Diría que Herodías es una figura centrada en sí misma, solitaria y con la belleza de un cenotafio.

Amboise. De Mallarmé Debussy toma el poema “Preludio a la siesta de un fauno”, elaborando con él, una obra musical cargada de recuerdos y sugerencias poéticas, apartándose de la armonía tonal. Inicia la melodía con flauta, luego sus notas son cromáticas y descendentes y planos sonoros de contraste por la orquesta La representación del fauno tocando la flauta, señala el comienzo de una nueva era para la música tanto en su técnica como en su libertad formal. En 1912 vio representadas sus obras “Siesta de un fauno” y Jeux por la compañía de ballets rusos de Segei Diagghilev con coreografía de Vaclac Nijinski.

Zuloaga. Aunque Debussy, fue sobre todo la máxima expresión del impresionismo musical, su obra original y auténtica de su personalidad, fue creada al margen de las normas sobre armonía, imperantes. Evoca la pincelada amplia de la paleta impresionista, llevada con maestría a la forma musical.

Amboise. El arte iba abarcando otros campos, Seurat fascinado por la visión fotográfica de la época parece querer reproducir la función de la cámara fotográfica con sus propios ojos, intentando reconstruir todos los planos de la imagen para volverla a reconstruir. En su obra Port-En-Bassin, la luz que baña en este puerto de la costa reafirma la audacia del joven pintor en sus propósitos para reproducir el color de iluminación y su reacción.

Zuloaga, Sí, hay que partir de la sensación directa, apunta. Tal vez Cézanne, en su pensamiento fue quien se dispuso a desarrollar directamente y con rigor de hombre de ciencia, su visión artística y filosófica.

Zuloaga añade que un seguidor de la visión pictórica de Cézanne fue Picasso.

Los contertulios en el café “Espacio sin Tiempo” recordaron que en 1904, veían dirigirse hacia un cabaret a un joven pintor de tez muy pálida y mirada profunda. “Llevaba una gorra negra, anchos pantalones de pana de uso cotidiano de obreros y artistas de su época, una camisa de algodón, roja con lunares blancos”, que gustaba del cabaret “Le Lapin à Gill”, donde se hablaba de arte y de poesía, y que de pronto alguien mostró una pintura que había comprado en la colchonería donde un viejo pintor se la vendió por diez francos. La firma del pintor era ilegible, la opinión general era de que era una mala imitación de Cézanne, la declaración fue unánime. Pasaron los días y en medio de la charla surgió de nuevo el tema del cuadro. Quien lo había adquirido insistía en que ese cuadro tenía algo de especial; sin sospechar que el autor estaba dentro de la tertulia; éste se puso de pie y dijo: que contra el parecer de todos, él seguía considerando ese cuadro admirable y sonriendo se identificó como Pablo Ruíz Picasso, abandonando el cabaret, inmediatamente. Habiendo avanzado unos metros se oyó una detonación. Era Picasso celebrando el acontecimiento de haber encontrado un admirador de su arte. Así lo cuentan los que lo vivieron.¹

A partir de entonces Picasso inicia su faceta cubista, llegando a consagrarse como uno de los más influyentes artistas en la historia del arte moderno.

Zuloaga, como pintor cubista conceptúa que el cubismo es un arte que gusta y habla por sí solo, no apela a las emociones, no hace llorar, no cuenta historias ni anécdotas, estas obras al destacar la vida, vuelven a ella sui géneris, fuera del realismo y de la evocación. Son obras en sí mismas.

Ravignan, Amboise, y Zuloaga, destacan la personalidad de Guillaume Apollinaire, al hablar de literatura y arte moderno. Apollinaire tuvo alma sensitiva. Sus experiencias en poesía revelaban la existencia de fuerzas latentes en la profundidad de su alma; todo para él era materia poética, un objeto cualquiera, una frase, un cristal de agua cayendo de una hoja se apoderaba de su pensamiento transfigurándolo, embelleciéndolo en su inspiración. Gustan los artistas y poetas de la sustancia de su obra poética porque se identifica con los valores modernos: gusto de la tradición y sentido de la revolución, por ello se identificaron con su pensamiento pues sus obras, también participan de la fiebre de creación literaria novedosa. Sus poéticas, en eso concuerdan los tres, se perfilan por el sendero surrealista, Ravignan con las vivencias románticas, Amboise con la simbología de los sueños y Zuloaga con la composición de los planos de la imagen onírica.

1. DANOIS, André. Los “Ismos” Plaza y Janés. Bogotá. Colombia.1977.

NOTA:- El café “Espacio sin Tiempo” en París, es un lugar ficticio.

Los tres artistas y poetas Ravignan, Amboise y Zuloaga, también son ficticios.

BIBLIGRAFÍA

Conceptos consultados:

DANOIS, André. Los ” Ismos”. Plaza y Janés. Editores Colombia Ltda. 1977

MUÑOZ ARTEAGA, Valmore. Espéculo. Revista de estudios literarios. Universidad Complutense de Madrid. 2003.

http://www.temakel.com

www.lamaquinadeltiempo.com

www.filomusica.com

www.epdlp.com

MUSICALIA. Enciclopedia de la Música Clásica. Salvat S:A: Pamplona España.

EL GRAN ARTE EN LA PINTURA. Salvat Editores. 1985.

Foros del curso.

.FRAGMENTOS MUSICALES DE CONCIERTOS CLÁSICOS Y ROMÁNTICOS DEL COMPOSITOR LUDWING VAN BEEETHOVEN

Fragmentos de conciertos clásicos y románticos de Beethoven, dirigidos e interpretados por destacados directores y orquestas del mundo. Concierto en su acepción de espectáculo para un público.

“Esta magnífica representación de un acto político le fue encargada a David por Napoleón para conmemorar su coronación, el 2 de Diciembre de 1808. El público asoció este acto al concierto para piano No. 5 denominándole “Emperador.

 Concierto para piano No 5 “Emperador”, en mi bemol, opus 73. (1809) La escritura orquestal y pianística adquiere en él un poder solemne y brillante, el piano tratado de manera sinfónica rivaliza con la orquesta. Escuchamos un fragmento del segundo movimiento, un meditativo adagio de una profunda gravedad religiosa. Enlaces: Beethoven -Emperor concerto; Glenn Gould- Beethoven`s Emperor. Autor: Ludwing van Beethoven.

 SINFONÍA No 9. (1824). La novena sinfonía es una de las de las mayores obras artísticas producidas por un ser humano que abrió caminos innovadores. Beethoven la concibió como una majestuosa alegoría de la vida y la condición de la humanidad. Es conocida como el “Himno a la alegría”, el cuarto famoso movimiento incluyó la voz humana, cantando el texto de Friedrich Schiller, “Oda a la alegría. En 2008 fue adoptado como himno europeo. Autor: Ludwing van Beethoven. Enlaces: Beethoven Sinfonía No. 9 Von Karajan. Ludwing van Beethoven--Ode to Joy. Y Teatro de la Corte Imperial (Kärntnertortheater), Viena.

 SINFONÍA No 7. (1812). El brillo de esta sinfonía es festivo y optimista. Es admirable la creación de esta sinfonía, teniendo en cuenta que su autor estaba sumido ya en una sordera total. Autor: Ludwing van Beethoven. Enlace: Karajan-Beethoven Symphony No 7.

Maslowski Stanislaw hodkseizyca 1884. Claro de Luna

CONCIERTO ROMÁNTICO COMO FORMA MUSICAL

En las dos primeras décadas del siglo XIX eclosionaron nuevas tendencias espirituales que influyeron profundamente en el campo de las artes, en especial de la música. Beethoven tomó partido por las corrientes innovadoras denominadas románticas, sin descuidar su pasado clásico, temeroso de que el arte musical tomara rumbos de excesos lamentables. Por esto trató de conciliar lo mejor de sus antecesores con la esencia de las nuevas tendencias.

El Romanticismo literario iniciado por poetas como Tieck y Novalis que exploraban las leyendas poéticas del Medioevo, inspiró también a la música, inclinándose ésta por la parte romántica, emancipándose del Clasicismo con el transcurso de los años. Beethoven, el compositor de la transición fraternizó las dos corrientes.

El Romanticismo y el Clasicismo son complementarios, se combinan; el Romanticismo aporta la emoción y la imaginación individual con la profundidad del pensamiento y la solidez de la estructura.

Schumann, Weber, Schumann, deslumbrados con la grandeza de Beethoven, llegaron a formularse la intranquilizante pregunta: ¿qué puede hacerse después de Beethoven?. Estos músicos románticos, de sólida cultura literaria y filosófica, comprometidos con las transformaciones sociales, optaron por conducir su música por los caminos de lo caballeresco y fantástico o doloroso e infecundo de las leyendas del Medioevo, mundo éste que les proporciona albergue a sus inquietudes.

Como destacados románticos podemos mencionar a Kart von Weber (1786- 1826), cuya obra operística de comienzos del siglo XIX comienza con obras nacionalistas románticas, como El cazador furtivo, Oberón…, conciertos. Ludwing Spohr (1784-1859), violinista y director de orquesta, cultor del concierto virtuoso, ferviente admirador de Mozart ; Nicolo Paganini (1784-1840), violinista virtuoso, interpretaba con genialidad la música de los modelos clásicos, mas, su talante era romántico, Schumann, prototipo del romántico alemán; Mendelson y sucesivamente Liszt, Bhrams, Chikovsky, los escandinavos Grieg y Sibelios y muchos más.

Bibliografía consultada.

MUSICALIA. Salvat S.A. Barcelona 1988.

CONCIERTO CLÁSICO

Los elementos constitutivos del nuevo estilo instrumental responden a esa consciencia de que la música debe emocionar, sugerir, convencer, pero ya no como en la época de Juan Sebastián Bach sino con un sentido nuevo de lo dramático. La nueva generación musical logró la creación de un nuevo estilo producto no de un ideal sino de la reconciliación de ideas en conflicto. Por ejemplo el sentimiento dramático fue reemplazado por la acción dramática. Se considera que el período comprendido entre 1755 a 1775 fue de transición, en esa época el compositor debía escoger entre la expresión dramática y la perfección formal o entre la expresividad y la elegancia. Difícilmente pudo el compositor compaginar ambas. Haydn (1732-1809) y Mozart (1756- 1791) cada uno por su lado trabajó un estilo donde un efecto dramático parecía al mismo tiempo sorprendente y lógico en el que lo expresivo y elegante se fraternizaron naciendo de esta unión el estilo clásico.

En su acepción original, la palabra concierto se refería a una composición interpretada por varios ejecutantes que tocaban en un auditorio. Posteriormente el vocablo se aplicó a una pieza en la que un pequeño grupo de cuerdas solistas alternaba sus ejecuciones con la de un conjunto musical más numeroso. De ahí se deriva uno de los significados del término concierto como forma musical que implica la actuación solista de uno o más instrumentos concertando con la orquesta.

Franz Joseph Haydn.

Fue junto con Mozart el creador del estilo clásico. Sus conciertos a diferencia de sus magistrales sinfonías son más elegantes que expresivos con atractivos contrastes dinámicos y tímbricos. Un ejemplo de sus conciertos es el Concierto para chelo en do mayor …y otros

Franz Joseph Haydn.

Fue junto con Mozart el creador del estilo clásico. Sus conciertos a diferencia de sus magistrales sinfonías son más elegantes que expresivos con atractivos contrastes dinámicos y tímbricos. Un ejemplo de sus conciertos es el Concierto para chelo en do mayor …y otros

Wolfgang Amadeus Mozart

WOLFGANG AMADEUS MOZART

Es el clásico por antonomasia, su creación fue auténtica. Para él el aspecto exterior de la música era solo un medio de expresión, nunca una técnica. Técnica y forma carecen de significado sin un contenido, su mundo expresivo es inseparable de la forma y es allí donde radica la perfección y unidad de su música. Nunca creó formas nuevas sino con la observación de los estilos existentes, como fenómenos que contribuyen a la formación de un estilo general creó un estilo universal. Este genio de la música legó a la humanidad una de las más bellas obras musicales.

En el campo de la música instrumental concertada Mozart alcanza su ideal en los 15 conciertos para piano escritos entre 1782-1786. Muestran las fuerzas del piano y la orquesta rivalizando entre sí, sin que ninguna someta a la otra. Por primera vez el instrumento solista no se halla en desventaja, pues la variedad sonora que el compositor le imprime, lo convierte en digno rival de la orquesta. Los tres primeros conciertos de esta serie K 413, 414,215 son denominados conciertos vieneses. Otros de sus conciertos son: Concierto para fagot K 191 en si bemol mayor, Concierto para piano N9 K271. Conciertos para flauta K313 y K314, etc.

Ludwing van Beethoven

Su obra fue un resumen del arte clásico y un anticipo del romántico. Su arte del clasicismo se aleja del equilibrio de Mozart e introduce una libertad que encaja ya en el temperamento romántico. Mas, esa libertad la ejercía con rigor y disciplina que le permitiría forjar una nueva síntesis del clasicismo que rebasa las nociones convencionales de estilo y llega a lo intemporal.

ÓRGANO DE TUBOS DEL MONASTERIO

DE HUELGA EN VALLADOLID

VIOLÍN BARROCO

VIOLAS GAMBA

CLAUDIO MONTEVERDI

JUAN SEBASTIÁN BACH

Fué el epílogo de la música barroca, uno de las más destacadas figuras que la música haya alcanzado.